РУБРИКАТОР
• Концепция а) введение б) гипотеза • Экспрессионизм • Дадаизм • Сюрреализм • Выводы
КОНЦЕПЦИЯ
Vanitas – это жанр, возникший в голландской живописи XVII века и посвящённый размышлению о тленности человеческой жизни, конечности времени и хрупкости земных удовольствий. Его эстетика строилась на системе устойчивых символов: череп, свеча, песочные часы, гниющие фрукты, зеркала, сломанные предметы, мыльные пузыри, музыкальные инструменты. Все эти образы говорили зрителю одно и то же: жизнь мимолетна, красота исчезает, время невозможно остановить. Хотя vanitas родился конкретно в рамках голландского натюрморта, его принципы – тлен, распад, смерть, иллюзия, пустота, исчезновение формы – оказались значительно шире самого жанра. Он стал не только видом натюрморта, но и моделью мышления, которая снова и снова проявлялась в художественных направлениях разных стран и эпох.
ВВЕДЕНИЕ
Жанр vanitas всегда прослеживался в моменты кризиса. Зародился он в тяжелые годы Нидерландской революции, или Восьмидесятилетней войны Семнадцати провинций за независимость от испанского владычества. Люди ярко ощущали хрупкость и скоротечность жизни и выражали это через аллегорические натюрморты. Они показывали тлен, но делали это через красоту – как будто приручали смерть. Первая половина XX века стала временем, когда Европа впервые столкнулась с ощущением собственной гибели. Первая мировая война разрушила привычную картину мира, где искусство могло служить пространством гармонии и красоты. Если в XVII веке тлен, хрупкость и мимолетность осмыслялись через символы, то теперь они стали непосредственной реальностью. Люди перестали видеть смерть философской метафорой, она потеряла свой эстетический аспект. Благодаря массовой смерти, утрате веры в разум и распаду социальных и моральных опор родилась новая форма vanitas, но уже не как жанра, а как внутреннего состояния искусства, в котором исчезли иллюзии устойчивости, смысла и красоты.
ГИПОТЕЗА
В XX веке художники перестали изображать смерть прямо и стали встраивать ее в саму структуру искусства – через распад формы, иронию, холод и отсутствие жизни в самом художественном жесте.
ЭКСПРЕССИОНИЗМ
Художников экспрессионизма интересует не то, как выглядит мир, а то, какие чувства он вызывает у человека. Для них именно эмоция – настоящий слой реальности, и поэтому живопись должна показывать внутреннее состояние. Мир у экспрессионистов как бы ломается под давлением чувства, а изображение превращается в прямое выражение человеческой боли и тревоги.
Джеймс Энсор, «Skeletons in the Studio», 1900 г. Эгон Шиле, «Death and Girl», 1915 г.
Эдвард Мунк, «Ashes», 1894 г.
В работах художников экспрессионизма еще прослеживаются традиционные символы vanitas: о бренности говорят черепа, скелеты и другие предметы, четко отсылающие к теме смерти. Также смерть раскрывается на картинах через контрасты в композиции и цветовой палитре.
Франц Марк, «Dead Deer», 1913 г. Хаим Сутин, «Carcass of Beef», 1926 г.
Экспрессионисты, соблюдая уже сложившиеся художественные нормы, также изображают на своих полотнах мертвый скот – это могут быть и погибшие животные, и разделанные туши – главное, что художники сохраняют идею хрупкости жизни.
Эмиль Нольде, «Burial», 1915 г.
Смерть в экспрессионизме – не что-то естественное и понятное, а болезненный, мучительный процесс. Люди на картинах Эмиля Нольде как будто застывают в ужасе от окружающей их среды.
Джеймс Энсор, «Me and My Circle», 1939 г. Эмиль Нольде, «Masks», 1911 г.
На полотнах экспрессионистов стирается черта между одушевленным и и бездушным: лица превращаются в маски, а маски, наоборот, выглядят как человеческие гримасы.
Эдвард Мунк, «The Scream», 1910 г. Эдвард Мунк, «Self-Portrait in Hell», 1903 г.
Эрнст Людвиг Кирхнер, «Self-Portrait as a Soldier», 1915 г. Эгон Шиле, «Self-Portrait», 1911 г.
Художники экспрессионизма часто искажают тело, меняя человеческие пропорции и изображая цвет кожи неестественно ярко, или, наоборот, тускло. Люди на картинах экспрессионистов предстают без конечностей, черты их лиц стираются, а тела выглядят болезненно истощенными. Таким образом, грань между жизнью и смертью становится расплывчатой – на первый план выходят чувства тревоги и напряжения.
ДАДАИЗМ
Движение возникает как реакция на ужасы и бессмысленность Первой мировой войны. Дадаисты отвергают художественные нормы, логику и эстетику, стремясь показать, что привычные ценности утратили смысл. Они создают коллажи и случайные композиции, чтобы показать хаос, пустоту и тленность через сам процесс создания искусства.
Рауль Хаусманн, «The Art Critic», 1920 г. Марсель Дюшан, «L.H.O.O.Q.», 1919 г.
Дадисты используют коллажи для того, чтобы показать разрыв целостного образа, превращая полотна в хаотичную сборку разнородных фрагментов. Периодически коллажи дадаистов приобретают ироническую окраску, высмеивая уже устоявшиеся нормы искусства.
Курт Швиттерс, «Mountain Graveyard», 1919 г. Курт Швиттерс, «Merzbild 5 B (Picture Red Heart-Church», 1919 г.
Курт Швиттерс – художник, создавший собственное художественное направление Merz, но все еще плотно связанный с дадаизмом – также разрушает форму, но делает это не только через коллажи. Художник разрушает композицию, отказываясь от логики и привычных связей.
Фрэнсис Пикабиа, «Love Parade», 1917 г. Фрэнсис Пикабиа, «Machine tournez vite», 1916/1918 г.
