искусство нового времени
РОКОКО XVIII век
Рококо становится жанром, связанным не только с изобразительным искусством, но и с дизайном интерьера: в жизни европейского человека постепенно начинает находится место для идеи «комфорта».
Рококо в искусстве и дизайне интерьера возникла во Франции восемнадцатого века, но вскоре распространились по всей Европе, становясь особенно популярным в Италии, Австрии, Германии и России.
Иногда упоминается «поздний барочный барочный», изначально он ассоциируется с правлением Людовика XIV («Королём Солнца»), но по-настоящему расцветает после его смерти в 1715 году, когда французская аристократия покидает дворец короля в Версале.
Картины, как правило, были заказаны богатыми посетителями, часто из зажиточных или королевских семей. В искусстве Рококо очевиден разворот в сторону внутреннего, личного интимного. Это тонко отражается в полотнах Жана Антуана Ватто.
Антуан Ватто — Жиль, 1720 год Франсуа Буше — Купание Дианы, 1742 год
Искусство рококо ставит во главу стала празднество, легкость, импровизационную театральность, наслаждение жизнью.
Фрагонар пишет «Воспоминание». Полотно сохраняет все атрибуты стиля: пастельные, чуть засахаренные сентиментальностью момента полотна, тайная, чуть интимная сюжетная сцена, романтичный настрой. Отличает эту работу от многих других считываемый психологизм: мы не столько наблюдаем за игривым тайным занятием девушки, сколько заинтересованно сопереживаем ей, чувствуя силы и желание разделить эмоции героини.
Жан Оноре Фрагонар Поцелуй украдкой, ок. 1780 года
Жан Оноре Фрагонар
Девушка с кошкой около 1770 года Молодая читающая девушка ок. 1769 года
В отличие от барокко, где роскошь, парадность и визуальное излишество только внешнее, рококо существует, исходя из парадигмы создания приятного досуга. Впервые место в искусстве начинают занимать интерьеры, в том числе и мебель.
Рококо это искусство комфорта, радости, иллюзии бесконечного удовольствия и празднования жизни без психологизма. Рококо про визуальное излишество, цель которого — наслаждение.
Антуан Ватто Женщина в головном уборе 1717–1718 годы Три этюда девочки в шляпке. Бумага, итальянский карандаш, сангина ок. 1716 года
Антуан Ватто Сидящая женщина и полулежащий мужчина ок. 1716 год
РУССКИЙ КЛАССИЦИЗМ XVIII–XIX век
Русский классицизм развивался чуть иными темпами, чем европейский, только со второй половине 17 века. В то время в западной Европе отгремела первая волна популярности классицизма и набирал популярность легкомысленный стиль Рококо.
Георг Христофор Гроот Конный портрет Елизаветы Петровны с арапчонком 1743 год
Иван Вишняков Портрет Сарры-Элеоноры Фермор 1750 год
Путь русского классицизма был стремительным, еще в конце 17 века большую часть живописных полотен составляли достаточно реалистичные, но далекие от пластичных канонов Европы изображение правителей и приближенных. Однако уже спустя полвека Иван Вишняков создает потртрет Сарры-Элеоноры Фермор, еще уступающий французским потретам, но уже неумолипо приближающийся к ним.
Федор Рокотов Портрет А. П. Струйской, 1772 год Томас Гейнсборо Дама в голубом, около 1780 года
В жанре портрета русский классицизм ощущается иначе, чем, например, английский. Чтобы это считать, достаточно посмотреть на портреты авторства кисти Гейнсборо и Рокотова .
Нельзя сказать, что какая-то из девушек более или менее привлекательна другой, но также нельзя не заметить, как глаза госпожи Струйской кажутся нам, смотрящими сквозь нас куда-то очень глубоко в собственные рассуждения. В то время как взгляд герцогини де Бофор ощущается ничем иным, как плавающим расслабленным взглядом как будто поверх глаз зрителей.
НЕОКЛАССИЦИЗМ 1780–1830 годы
Неоклассицизм как жанр естественно вырастает из идей просвещения — философского движения, которое ставило науку, разум и демократические ценности, прежде всего.
Идейно, неоклассицизм использует эстетику эпохи древности неспроста, так как именно в то время Ост-Индская кампания совершает путешествие о Европе, которое ведет к последующем раскопкам итальянских городов Геркуланум и Помпеи (между 1738-48 годами), что приведет к популяризации визуальных и философских идей античности.
Неоклассицизму характерен отказ от экстравагантности и легкомыслия стилей барокко и рококо, неоклассические художники вернулись к эпоху древности, увидев в этом способ вспомнить и вознести интеллектуальные, научные, социальные и моральные ценности. Простота, сдержанность, гармония и порядок вернулись как высшие достоинства в искусстве.
Обычно неоклассицизм делят на ранний и поздний периоды, ранние неоклассические художники, такие как Антон Рафаэль Менгс и Бенджамин Уэст, нарисовали классически поставленные фигуративные композиции, которые воспроизвели древние скульптуры и картины ваз; Более поздний период, примером которого Жак-Луи Дэвид и его бывший ученик, Жан-Огюст-Доминик Энгр, ознаменовал сдвиг в сторону более монументального неоклассического стиля.
жан огюст доминик энгр
Жан Огюст Доминик Энгр Большая одалиска 1814 год
Жан Огюст Доминик Энгр Купальщица Вальпинсона 1808 год
Жан Огюст Доминик Энгр Турецкая баня 1862 год
Энгр пишет полотна с кажущейся простотой. Это не леонардовской сфумато, в котором в полутонах тушевки сухой кистью теряется характер мазка. Однако тот выглядит Аккуратным, очень неслучайным. Тень ощущается как наложение красок, но от этого не выглядит менее убедительной.
Жан Огюст Доминик Энгр Герцог Орлеанский После 1842 год
Жан Огюст Доминик Энгр Юпитер и Фетида 1811 год
Портрет Наполеона на троне 1806 год
Жан Огюст Доминик Энгр Роже спасает Анжелику 1819 год
жак луи давид
Художник активно продвигался Французской Королевской академией искусства и скульптуры, которая позиционировала историческую живопись правильной, предпочтительной, а также поддерживала и стимулировала внимание к религиозным и мифологическим мотивам, превознося их над светскими портретами пасторальным пейзажами.
Жак Луи Давид Клятва Горациев 1784 год
Жак Луи Давид Бонапарт на перевале Сен-Бернар Третья версия, Версаль 1802 год
Четвёртая версия, Бельведер 1803 год
Выше не две одинаковые картины, как могло показаться, но две из пяти версий парадного портрета молодого Наполеона Бонапарта на перевале Сен-Бернард. Отличающиеся, в сути, тонкими деталями выражений лица, общей тоновой яркостью и расстоянием высеченных в камне имен, эти полотна — не просто прославление личности, но и визуальный манифест имперской идеологии. Давид превращает политического лидера в мифическую фигуру, используя язык классицизма и барочной динамики. Картина стала каноническим образом Наполеона как вождя, способного вести народ к победе — образом, который активно использовался в пропаганде.
Жак Луи Давид Клятва в зале для игры в мяч в Версале 20 июня 1789 года 1790–1794 годы
Жак Луи Давид Смерть Сократа 1787 год
Жак Луи Давид Смерть Марата 1793 год
Картина «Смерть Марата» была написана Жаком-Луи Давидом в 1793 году на фоне событий Французской революции. Жан-Поль Марат — один из радикальных лидеров якобинцев — был убит в своей ванне Шарлоттой Корде, сторонницей умеренных. Она проникла к нему под предлогом передачи доноса и нанесла смертельный удар ножом. Это убийство всколыхнуло общество и стало символом революционного мученичества.
Давид, лично знавший Марата, взялся за картину вскоре после его смерти. Он стремился не просто зафиксировать трагедию, а создать иконографический образ героя, жертвы ради народа. Работа была выполнена быстро и стала мощным элементом революционной пропаганды — своего рода «святыней» республиканского культа.
Картина быстро приобрела культовый статус. Её использовали на публичных церемониях и распространяли в виде гравюр. Давид превращает политическое убийство в героическое событие, поднимая Марата до уровня символа — мученика ради республики. Полотно стало мощным средством визуальной пропаганды в духе революционного классицизма.
Жак Луи Давид Велизарий, просящий подаяние 1781 год
РОМАНТИЗМ 1800–1850 годы
Романтизм стал реакцией на неоклассицизм и мышление просвещения. Частично уставшие от рационализма и порядка, романтики предпочитали личный и драматический подход к размышлению о сути личности и природы человека в ответ на обстоятельства (естественные или политические).
Это стало естественным, но кардинальным изменением в мышлении (после неоклассицизма), который позволил эмоциям и воображению доминировать в разуме. Затем романтики отказались от формальных классических правил (каковы были привиты государственными спонсируемыми академиями) в пользу более субъективного и выразительного искусства, которое отмечало достоинства творчества и индивидуализма.
каспар давид фридрих
Каспар Давид Фридрих Монах у моря 1809–1810 годы
Идея о фигуре человека, как о мыслителе, думающем создателе и творце, который оторван от мирского — ключевая в искусстве французского романтизма. Глубокий интерес в то время вызывает внутренний мир, эмоции, способы передачи душевного смятения, радости и печали не только эмоциями на лице героя, но и пейзажем.
Как лирический герой романтического стихотворения ищет истину в себе, нередко отворачиваясь от людей к природе, так персонажи полотен Каспара Давида Фридриха отворачиваются от взгляда зрителя, целиком обращая внимание вглубь бескрайнего пейзажа.
Каспар Давид Фридрих Руины монастыря Ойбин (Мечтатель) примерно 1820–1840 годы
Каспар Давид Фридрих Крест в горах 1808 год
Каспар Давид Фридрих
Аббатство в дубовой роще, 1809–1810 годы Долмен в снегу 1807 год Зимний пейзаж с собором, 1811 год
уильям блейк
Иллюстрации Уильяма Блейка — это уникальное явление в истории искусства, сочетающее живопись, поэзию и мистицизм. Его работы выходят за рамки обычной книжной иллюстрации: это автономные художественные и философские высказывания, в которых изображение и текст существуют в неразрывном единстве. Он не просто иллюстрировал — он создавал собственные мифы, используя изобразительное искусство как продолжение своих литературных идей.
Одна из главных особенностей иллюстраций Блейка — это органическое сочетание поэзии и изображения. Он сам писал, гравировал и раскрашивал свои книги. Иллюстрации не просто дополняют стихи, а расширяют их смысл, создавая сложную визуально-поэтическую структуру, где каждое слово и линия несут символическую нагрузку.
Блейк использовал собственную технику печати — рельефную офортную гравюру, или так называемую «иллюминированную печать» (illuminated printing). Это позволило ему создавать страницы с текстом и рисунком. Каждая копия его книги раскрашивалась вручную, что делает все экземпляры уникальными произведениями искусства.
Уильям Блейк Явление ангелов пастухам 1809 год
Творец вселенной. Фронтиспис к поэме «Европа» 1794 год
Уильям Блейк Страшный суд 1808 год
Многие иллюстрации Блейка вдохновлены Библией, но прочитаны им через призму личного мистицизма и радикального взгляда на духовность. Например, в серии «Иллюстрации к Книге Иова» он показывает не столько буквальный текст, сколько метафизический конфликт между свободной волей и догмой. Его Бог — это не только источник добра, но и строгий, ограничивающий разум, как в образе Урицена с циркулем в руке.
Уильям Блейк Христос во гробе
Когда запели звезды. Иллюстрация к Книге Иова 1820 год
Уильям Блейк Красный дракон и женщина, одетая в солнце 1803–1805 годы
Уильям Блейк
Уильям Блейк — «Божественная комедия» Вихрь любовников, 1824–1827 годы; Книга Иова. Бегемот и Лефиафан, 1818–1825 годы Генри Фюсли — Титания обнимает голову осла, 1790-е годы
Уильям Блейк Воскресение 1808 год
Иоганн Генрих Фюссли Титания и Боттом 1790 год
Тишина 1799–1800 годы
Французский романтизм стремится погрузить зрителя в состояние лирического героя, чьи эмоции пронизывают холст насквозь, будь то смятение, печаль, влюбленность или восторг.
Отказ от трезвых и технических, романтических художников призвал свое воображение для вдохновения.
Природа рассматривалась как ключ к тому, чтобы разблокировать идеализированное прошлое человека, и такие художники, как Каспар Дэвид Фридрих и Джон Констебль, стремились представлять «возвышенное» в искусстве. К этому относилось к изображению лесов и морских пейзажей, которые захватывали потрясающие, и иногда ужасающие, силы природы. Тем не менее, высокая драма романтизма не ограничивалась одним жанром.
Теодор Жерико Плот «Медузы» 1819 год Скачки в Эпсоме 1821 год Этюд натурщика ок. 1812 года
Эжен Делакруа Паганини 1832 год
Осмыслить не только внутреннее, но отобразить глубинную личную реакцию на внешнее, иногда разрушающее — таковым искусство романтизма создает испанец Франциско Гойя. Художник показывает общие для целой нации события испанской войны, используя для этого глубоко личный, включённый, ничем не обезличенный взгляд, стремясь представлять необъяснимые и невыразимые силы, которые стимулируют человека на поступки.
в то же время французские художники, такие как Эжен Делакруа и Теодор Жерико, работают в романтическом жанре, видя в нем способ достоверно подчеркнуть политические несовершенства и рассудить о них с толикой необходимой драмы.
Искусство романтизма также связано с экзотированными сценами ближневосточной культуры, известных как ориентализм, в то же время в архитектуре стали модными выразительные восточные и готические стили «возрождения».
«Бедствия войны» (исп. Los Desastres de la Guerra) — серия из 82 гравюр Франсиско Гойи, созданных в период между 1810 и 1820 годами.
ПРЕРАФАЭЛИТЫ 1840–1880 годы
Прерафаэлиты черпали вдохновение, скорее, от средневековых ремесленников/художников, которые, по их мнению, создали истинный синтез между искусством и жизнью. Художники создавали искусство, которое брало свое эстетическое и философское начало от идей высокого возрождения.
Джон Эверетт Милле — Офелия, 1851–1852 годы
Прерафаэлиты придерживалось множества пуританских и эстетических стандартов с произведениями искусства, основанных на мифических и религиозных притчах, все они выполнены с тщательным вниманием к деталям. Они отвергли перспективу картины в пользу плоских изображений, но, прежде всего, прерафаэлиты, которые часто работали на пленэре, схватывали принципы натурализма совмещая это с тщательно изученными представлениями о природе.
Уильям Холман Хант и Джон Эверетт Милле оспаривали не только визуальные стандарты викторианской эры, но и ее сомнительную мораль.
Со своей стороны, Данте Габриэль Россетти принял эстетические идеи, но ушел чуть в сторону от «праведности», внедрив элементы воздушности, лёгкости мазка в свои картины.
Возрождение средневековых стилей, историй и методов производства оказало глубокое влияние на развитие движения искусства и ремесел.
Джон Уильям Уотерхаус — Гилей и нимфы, 1896 год Данте Габриэль Россетти — Леди Лилит, 1866–1873 год; После поцелуя, 1859 год Уильям Холман Хант — Леди из Шалотта, 1888 год
РЕАЛИЗМ 1840–1880 годы
Реализм внедряет основы для импрессионизма, частично закладывая основы для современного искусства.
Оставляя позади идеализированные образы, художники-реалисты, главным из которых был Гюстав Курбе, изображали повседневную жизнь, стремясь показать ее, шли в отказ от эстетизации.
←Гюстав Курбе — Добрый день, господин Курбе, 1854 год
Отсекая любую сентиментальность из искусства, реалисты следовали маршруту к достоверному демократическому искусству. Они писали бытовые, часто маргинальные для общества образы (включая проституток и сельских рабочих), что приводило к реакции на полотна как на что-то «уродливое» или «неприятное».
Так, а работах Франсуа Милле рабочие заняты тяжким трудом, на пейзажах Камиля Коро ствол дерева неосторожно прорезает вид на красивый мост, мешая углу обзора.
Реализм в этом смысле связан с попыткой показать действительную реальность без прикрас, не столько сам момент действия, сколько его образ, будь до утренняя Венеция или рабочий с мотыгой.
Камиль Коро Мост в Манте 1868–1870 годы;
Утро в Венеции (Пьяцетта в солнечный день) 1834 год
Жан-Франсуа Милле
Сборщицы колосьев 1857 год Человек с мотыгой Между между 1860–1862 годами
Жан-Франсуа Милле Анжелюс («Ангел Господень») между 1857 и 1859 годами
На картине изображена пара крестьян, остановившаяся во время работы в поле, чтобы прочесть молитву «Анжелюс» (вечернюю католическую молитву, звучащую при звоне колокола). Сюжет максимально скромный, почти статичный, но именно это создаёт ощущение величия в повседневности. Жесты персонажей сдержанны, позы полны уважения и сосредоточенности. Всё говорит о смирении, связи с землёй и Богом.
Милле хорошо знал мир сельской жизни. Но он не романтизировал его — он показывал крестьян не как героев или страдальцев, а как людей с внутренним достоинством и верой. «Анжелюс» — это момент духовного сосредоточения, почти икона в реалистической форме. Отсутствие излишней детализации подчёркивает внутреннюю сосредоточенность сцены, создаёт чувство молитвенной тишины и вечности.
Композиция проста и уравновешенна: фигуры расположены на фоне широкого неба и спокойного пейзажа. Мягкий вечерний свет придаёт сцене поэтическую мягкость и теплоту. В центре — корзина с картофелем и вилы, как напоминание о труде. Но главный акцент — на позах и настроении персонажей. Пространство как будто замирает — даже небо и поле «молчат».
Хотя картина изображает конкретную религиозную практику, она говорит о вневременных ценностях: благодарности, уважении к труду, смирении перед силами природы и жизни.
Линейная перспектива и точные пропорции были отклонены в пользу более камерных, в то время мазок становится видимым. Таким образом, реалисты оспаривали вечные убеждения о том, что составляет эстетическую красоту.
ИМПРЕССИОНИЗМ 1860-1900
Импрессионизму как жанру дала толчок цепь изобретений, которые сначала привели к созданию первого снимка в Жозефом Нисефором Ньепсом в 1820 году, а позже, в 1860-х, к повелению зеркального объектива и моментальной съемки. Фотография переняла на себя задачу изображать достоверно. Так, у европейской живописи впервые изменилась главная задача, и художники стали исследователями своего внутреннего восприятия реальности.
Если художники классической школы «строили» пейзажи исходя из рациональных принципов, то импрессионисты схватывали момент, конкретный кадр «сквозь фотоаппарат», находя новые способы компоновки и кадрирования.
Тёрнер — романтик и отец абстракции, который увидел в свете и сочетании цветов форму, идущую куда выше содержания за несколько десятилетий до импрессионистов. Художник проходит путь от подробного изображения моря до полотна «свет и цвет…»), его открытия созвучны импрессионистам.
Уильям Тёрнер — Свет и цвет (Теория Гете), Утро после Потопа, 1843 год
На протяжении столетий живопись пыталась создать ощущение того, что мы можем потрогать изображенное, а импрессионисты отринули этот принцип, они передавали информацию световоздушной среды.
Клод Моне — Стога, Ок. 1891.
Художники импрессионисты работая над полотнами отдельно, были группировкой авторов, в число которых входили Сезанн, Ренуар и Мане. Французские импрессионисты заинтересовались тем, как визуальное восприятие основывалось на мимолетных оптических впечатлениях.
Они искали новые способы запечатлеть свет и движение, атмосферу и погоду. Они писали легче и быстрее (вдохновляясь скоростью господина Курбе, который мог написать пейзажную зарисовку менее чем за час), чтобы зазвенели чистые, интенсивные цвета — особенно в их ландшафтах. Захваченные желанием передать мгновение жизни, художники тонко, почти неряшливо и очень часто набросочно цепко схватывают изменяющиеся пейзажи Франции 19 века: железнодорожные станции, бульвары, кафе и кабаре.
Клод Моне Впечатление. Восходящее солнце 1872 год
Пьер Огюст Ренуар Лягушатник 1869 год
Бал в Мулен де ла Галетт 1876
Джон Сингер Сарджент Сладкое безделье 1907 год
Эдгар Дега Голубые танцовщицы 1897 год
Самые знаменитые работы Дега — это изображения балерин. Он не просто показывает их красоту, а изучает тело в напряжении, в репетиции, в паузе между движениями. Очарование здесь — в правде момента: балерина, поправляющая ленту, стоящая у станка, уставшая, сосредоточенная. Это движение, застигнутое в тишине, которое зритель будто подглядел.
Дега часто изображал женщин в частные, почти неуловимые моменты — за туалетом, в ванной, на репетиции. Он говорил, что хочет показать их так, «как если бы за ними подсматривали замочной скважиной». Это делает его работы искренними и уязвимыми, но при этом уважительными. Он не эстетизирует и не романтизирует — он наблюдает с вниманием и глубоким интересом к настоящему, не сценическому образу.
Эдгар Дега Мытьё 1886 год
Причесывающаяся женщина 1884 год
Впервые зритель наблюдает за жизнью, как бы случайно замечая чужую жизнь, но не вовлекается в нее. Художники хотят уловить неуловимые моменты жизни, быстро схватить основные идеи констраста и тона композиции. В данный момент для движения импрессионистов самое главное — видеть, фиксировать, чувствовать реальность на конките кисти.
Эдгар Дега Парад 1866–1868 годы
Художники настолько увлечены идеей запечатлеть мнгновение жизни, что иногда это приобретает необычную, сожную для чеговека сегодняшнего времени форму. Так, мы знаем практически посмертный портрет супруги Клода Моне Камиллы, который тот писал, желая запечатлеть не столько суть, сколько форму, образ уходящей жизни.
Клод Моне Камилла на смертном одре 1879 год
ПОСТИМПРЕСИОНИЗМ
Поль Сезанн
Натюрморт с вишней и персиками 1885–1886 год
Корзина яблок 1890–1894 год
Сезанн стремился «воссоздать природу с помощью цилиндра, шара и конуса». В его натюрмортах видна осознанная конструктивность — предметы кажутся весомыми, устойчивыми, но при этом не реалистичными в классическом смысле.
Известно, что Поль Сезанн писал произведения долго, непривычно долго для последователя идей импрессионизма. Художник мог подолгу решать, как именно положить мазок, менял точку фокуса. Так, его натюрморты кажутся собранными из нескольких плоскостей.
Поль Сезанн Большие купальщицы 1906 год
Большие купальщицы это полотно, которое Поль Сезанн пишет необычно долгие 7 лет. Из-за проглядывающей белезны холста может показаться, что работу он так и не заканчивает, однако это осознанное решение художника — цвет не всегда нуждается в дополнительном оттенке рядом, чтобы работать как тоновое пятно.
