Коммерческая анимация
Начать хочется с того, что при отборе информации для исследования Автор столкнулся с проблемой. Изначально Автор предполагал, что сможет найти достаточно большое количество мультфильмов, поднимающих тему психических расстройств, созданных на Западе, но оказался не прав. Таких проектов, которые попадают в заявленный временной отрезок, критически мало, и в основном данную тему поднимают режиссёры из Японии. И перед тем как переходить к непосредственному анализу произведений, хочется разобраться в причинах данного явления.
Стоковые фото Префектура Токио роялти-фри
Первая мысль: наверное, жители Японии более подвержены депрессивному расстройству и часто его обсуждают. Ни для кого не секрет, что в Японии процветает культ переработок: люди подвергают себя огромным нагрузкам, а после тяжёлого рабочего дня снимают стресс с помощью алкоголя. Оба фактора крайне негативно сказываются на психическом здоровье. К тому же в стране огромная конкуренция и крайне строгая корпоративная культура, что также, по мнению Автора, может угнетать население.
«Мацуи Фуюко» Фуюко Мацуи 2008
Также гигантской проблемой является одиночество. Существует явление hikikomori — это форма тяжёлой социальной изоляции: молодые люди становятся затворниками, не имея возможности работать или ходить в школу в течение месяцев или лет. Одиночество может быть как причиной, так и следствием депрессии.
Работы без названия Avogado6 2018-2019
Получается, японцы действительно более депрессивные и поэтому так много об этом рассказывают? Нет. Согласно статистике, показатели клинической депрессии в течение жизни на Западе, как правило, примерно в 4–10 раз выше, чем в Азии. Но при этом респонденты из Азии гораздо чаще жалуются на негативные эмоции, однако это не перетекает в психическое расстройство.
По мнению экспертов, это связано с различием в культурных системах мышления: Восток склонен к холистическому мышлению, Запад — к аналитическому. Это влияет на регулирование эмоций и, как следствие, подверженность заболеваниям.
Работы без названия Рюсэя Маэды 2020-2023
Почему же тогда тема депрессии так часто раскрывается именно в японской анимации? Безусловно, культурные аспекты, о которых было упомянуто выше, играют большую роль, но, по мнению Автора, основная причина кроется именно в восприятии эмоций. Системы мышления влияют не только на подверженность заболеваниям, но и на передачу чувств на экран. Эмоциональные состояния героев изображаются не как отклонения, а как часть потока жизни — это даёт широкий простор для разговора на столь тяжёлые темы. Эти темы всё-таки близки народу, хочется их обсудить, но, к сожалению, психическое здоровье очень стигматизировано, а анимация становится площадкой, где можно показать внутренний кризис.
«Нарцис» Фуюко Мацуши 2007/ Работа без названия Фуюко Мацуши 2006
Работа без названия Avogado6 2018
Так мы плавно переходим к уникальности японской анимации. Она исторически использует визуальные метафоры, абстракцию, символику, внутренний монолог героев. Такие формы позволяют показать депрессию не только словами, но и через визуальные и эмоциональные слои: пустота, пространство, метафоры превращаются в язык состояния. Это позволяет даже в условиях замалчивания говорить на эту тему со зрителями. В западной массовой анимации таких художественных рисков было меньше.
Так мы переходим к сериалу, который задал тренд на психологическую драму не только в Японии, но и во всём мире.
Neon Genesis Evangelion
«Конец Евангелиона» 1997 реж. Хидэаки Анно
Данное аниме выходило с 1995 по 1996 год и не попадает во временные рамки моего исследования, но я считаю важным хотябы кратко его упомянуть, так как именно оно в значительной степени повлияло на медиакультуру и остаётся актуальным до сих пор. Многие авторы при создании своих работ вдохновлялись его успехом.
«Конец Евангелиона» 1997 реж. Хидэаки Анно
Евангелион вышел из-под пера режиссёра Хидэаки Анно под крылом студии Gainax в жанрах психологическая драма и меха. Аниме в первую очередь является деконструкцией жанра меха, уходя от привычной формулы — как в типажах главных героев, так и в смещении основного конфликта внутрь персонажа.
Обложки дивиди дисков «Евангелион нового столетия» 1995 реж. Хидэаки Анно
Кратко о сюжете. Главный герой, Икари Синдзи, приезжает в город Токио-3 и начинает управлять гигантским био-механическим существом — «Евангелионом», — чтобы защитить мир от таинственных пришельцев, нападающих на Землю. Однако внешняя битва быстро превращается во внутреннюю: история концентрируется на травмах, одиночестве, депрессии и невозможности выстроить отношения с другими.
«Евангелион нового столетия» 1995 реж. Хидэаки Анно
«Евангелион нового столетия» 1995 реж. Хидэаки Анно
«Евангелион нового столетия» 1995 реж. Хидэаки Анно
Данное аниме имеет уникальный визуальный язык, который во многом был продиктован отсутствием бюджета, но при этом работал на историю. Ярким примером такого подхода можно назвать стилевые паузы и статичность. Пустые статичные изображения как ни что другое передают ощущение давящего одиночества и безисходности. Это помогает зрителю увидеть движение психики и действительно почувствовать и понять то, о чём говорит режиссёр.
«Евангелион нового столетия» 1995 реж. Хидэаки Анно
«Евангелион нового столетия» 1995 реж. Хидэаки Анно
Несмотря на то что Evangelion сформировал целое направление анимации, обращающейся к внутренним кризисам, депрессии и фрагментации идентичности, он сделал это через интимную психодраму и субъективный опыт отдельного человека. Однако уже в середине 2000-х интерес японских режиссёров смещается: они начинают исследовать не только внутренний мир личности, но и то, как психика взаимодействует с окружающей реальностью.
Паприка
Анимационный фильм увидел свет в 2006 году, режисером выступил Сатоси Кона. По словам режисера, все началось с набросков и иллюстраций и вокруг них впоследствии выросла сама история. Возможно именно поэтому данное аниме прославилось именно своим уникальным визуальным стилем. Данная работа позволяет себе полностью стереть грань между сном и реальность и часто уходит в полный сюреализм, разговаривая со зрителем исключительно с помощью метафор.
«Паприка» 2006 реж. Сатоси Кон
«Паприка» 2006 реж. Сатоси Кон
Паприка рассказывает о команде учёных, которые используют устройство DC Mini, позволяющее входить в сны людей, чтобы лечить психические расстройства. Когда прибор оказываются украден, границы между сновидениями и реальностью начинают рушиться, и герой-психотерапевт вместе со своей яркой аватарой Паприкой пытается остановить катастрофу, возникшую в коллективном бессознательном.
«Паприка» 2006 реж. Сатоси Кон
В данном произведении Автора больше всего заинтересовали внутрикадровые визуальные превращения, ведь именно они погружают зрителя в поток сознания героев. Пространство вокруг них постоянно искажается, рвется, течет, и данное новаторство как нельзя лучше подходит для фильма сюжет которого проходит во сне.
«Паприка» 2006 реж. Сатоси Кон
«Паприка» 2006 реж. Сатоси Кон
Эти переходы строятся на плавных морфингах, смещениях перспективы и визуальных рифмах, что позволяет создавать непрерывный поток изображений без привычных монтажных разрывов. В результате фильм отказывается от жёсткой структуры склеек и формирует собственную логику изменения мира — ассоциативную, а не повествовательную.
«Паприка» 2006 реж. Сатоси Кон
Подобные трансформации работают по законам мышления и сновидений: одна форма цепляется за другую через сходство движения, цвета или символа. Благодаря этому зритель оказывается внутри субъективного восприятия, где пространство подчинено эмоциям и импульсам персонажей.
«Паприка» 2006 реж. Сатоси Кон
Внутрекадровые превращения это мастер-класс по тому, как визуальные трансформации могут стать языком психики: она показывает, что не надо говорить о внутреннем состоянии — можно позволить ему проявиться через форму.
«Паприка» 2006 реж. Сатоси Кон
Паприка — одно из редких произведений, в котором визуальная форма не просто сопровождает сюжет, а становится его главным смысловым двигателем. Оно по сути отобразает работу ассоциативного мышления, тревоги и расщепления личности. В фильме психология не просто тема — она превращается в сам материал изображения, позволяя передавать внутренние состояния персонажей через движение, цвет и изменения среды.
Кайбо
Аниме сериал дебютировал в 2008 году, кресло режисера занял Масааки Юаса. Идея родилась из интереса автора к темам памяти, идентичности и трансгуманизма. Кайба строится на контрасте: визуальный стиль аниме простой и подетси наивый, но при этом работа затрагивает тяжелые и больные для многих темы, за счет этого сериал вызывает ощущение отстраненного ужаса. К тому же если две предыдушие работы восновном меняют мир вокруг героя, то Кайба полностью сосредоточился на буквальных метаморфозах самих персонажей.
«Кайба» Масааки Юаса 2008
Действие происходит в мире, где человеческие воспоминания можно оцифровывать, стирать, менять и перемещать между разными телами, превращая личность в товар. Главный герой — безымянный юноша, позже названный Кайба, — просыпается без памяти, с дырой в груди и кулоном, в котором хранятся чьи-то воспоминания. Он отправляется в путешествие по странным мирам, пытаясь восстановить свою личность, понять собственное прошлое и разобраться в извращённой социальной системе, где тела принадлежат богатым, а бедняки вынуждены «переселяться» в дешёвые оболочки.
«Кайба» Масааки Юаса 2008
Если в случае Паприки обсуждались в основном монтажные приемы, то в этом аниме хотелось бы подробнее остановится на дизайне персонажей и анимации, потому что по мнению Автора именно это отличает этот сериал.
«Кайба» Масааки Юаса 2008
Как уже было упомянуто раньше стиль Кайбо выглядит милым и приятным, как будто бы больше подходящим для доброй, светлой истории. Округлые формы, приглушенные тона, минимализм, все это обезоруживает, создаёт ощущение доверия. Но данный визуальных ход еще сильнее погружает зрителя в ужас происходящего.
«Кайба» Масааки Юаса 2008
Отличная метаформа нестабильного психического состояния, оно может быть невидимым, скрытым под спокойной оболочкой. Этот приём работает именно потому, что заставляет зрителя почувствовать эмоциональный разрыв, знакомый людям, переживающим психическую боль.
«Кайба» Масааки Юаса 2008
В предыдуших разобраных работах персонажи на протяжении всего сюжета остаются неизменными, то в Кайба главный герой постоянно меняет оболочки. Он успел несколько раз сменить тело и до неузнаваемости изменить свою внешность.
«Кайба» Масааки Юаса 2008
Но главное то, что анимация остается невероятно пластичной, герои постоянно растягиваются, сжимаются, сплющиваются, скручиваются, трансформация тела — ключевой визуальный приём. Любая анимационная деформация — это не просто стиль, а образ психического распада, потери устойчивости, потери идентичности. Разум является продолжения тела и по мнению Автора это позваляет увидеть душевные метания.
«Кайба» Масааки Юаса 2008
Также важно, что анимация часто нарушает привычную физику: движения либо слишком лёгкие, либо слишком тяжёлые, а переходы между позами происходят неожиданно, с резкими скачками или наоборот — с необычной плавностью. Это создаёт атмосферу эмоциональной нестабильности, словно мир реагирует на внутренние состояния героев, а не наоборот.
«Кайба» Масааки Юаса 2008
Таким образом, тело — гибкий контейнер, который отображает любые искажения памяти, боли и утраты, превращая психические процессы в зрелищную и тревожную визуальную форму. За счёт этого анимация не просто сопровождает сюжет — она становится способом рассказа о депрессии и утрате себя, показывая то, что словами обозначить невозможно.
Железобетон
«Железобетон» Майкл Ариас 2006
Анимационный фильм Железобетон, режисером которого выступил Майкл Ариас, отправися в прокат в 2006 году. Аниме выделяется тем, что строит эмоциональную драматургию прежде всего через визуальную среду. Именно через работу с цветом и светом фильм формирует особую визуальную модель эмоциональных расстройств — от тревожной гиперстимуляции до депрессивного обессвечивания восприятия.
«Железобетон» Майкл Ариас 2006
История разворачивается в вымышленном мегаполисе Такачихаре — хаотичном городском пространстве, которое словно живёт собственной жизнью. В центре повествования — два уличных мальчишки, Черный и Белый, противоположности по характеру, но связанные почти болезненной зависимостью друг от друга. Черный олицетворяет ярость, страх и защиту — он жесток, упрям и постоянно балансирует на грани саморазрушения. Белый же — хрупкий, ранимый, живущий в мире собственных фантазий и детской наивности. Их совместная жизнь — попытка удержаться на плаву в городе, который медленно поглощает слабых и терзаемых.
«Железобетон» Майкл Ариас 2006
В контексте данной работы Автор хотелбы обсудить передачу эмоций через цвет и свет. В фильме цвет и свет становятся не просто визуальным оформлением, а эмоциональным каркасом всей истории. Город постоянно меняет окраску — от ослепительно-ярких, почти кислотных тонов до мрачных, густых теней, и эти контрасты напрямую отражают внутреннее состояние героев.
«Железобетон» Майкл Ариас 2006
«Железобетон» Майкл Ариас 2006
Особенно важен этот подход в изображении Белого. Его психика в фильме колеблется между уязвимой детской непосредственностью и эпизодами глубокого эмоционального провала. Эти состояния выражаются через специфическую цветовую стратегию: сцены, связанные с Белым, часто погружаются в размытые пастельные тона, будто лишённые контраста и жизни. Подобное «вымывание» изображения визуализирует ключевые симптомы депрессии — чувство неприсутствия, эмоциональную плоскость, уход в себя, когда реальность теряет чёткость и интенсивность.
«Железобетон» Майкл Ариас 2006
Цветовая динамика фильма подчёркивает ещё один аспект депрессивного переживания — резкие внутренние перепады. Яркие, перенасыщенные эпизоды, связанные с Черным, резко сменяются провалами, когда насыщенность будто исчезает. Такая нестабильность визуальной среды напоминает колебания настроения, сопровождающие депрессивные эпизоды: от кратких вспышек чувств до вновь наступающего эмоционального обесцвечивания.
«Железобетон» Майкл Ариас 2006
Свет выполняет фактически симптоматическую функцию. Когда Белый испытывает страх или уходит в себя, пространство вокруг него часто теряет глубину и объем: тени исчезают, свет становится плоским, сцена будто обезжизнена. Это зрительное уплощение пространства напоминает субъективный опыт эмоциональной пустоты и неспособности «почувствовать» мир, характерный для депрессивных состояний. В моменты тревожных обострений свет, напротив, становится болезненно ярким, контрастным — визуальной метафорой сенсорного перегруза и внутреннего напряжения.
«Железобетон» Майкл Ариас 2006
В результате цвет и свет превращаются в главный язык, через который фильм передает переживания депрессии: от утраты энергии и эмоциональной остроты до искажения восприятия и разрыва связи с реальностью. Железобетон демонстрирует, что психологические состояния могут быть визуализированы не прямым изображением страдания, а трансформацией среды — обесцвечиванием, размыванием, изменением контрастов и световой логики.
«Железобетон» Майкл Ариас 2006
